典範與差異：世界藝術史中的亞洲現當代藝術編撰 ——「2024國際策展論壇」馬唯中演講側記

以西方框架為主導的百科全書式博物館，是否具備自我修正的能力？亞洲現當代藝術史又能如何鑲嵌進世界藝術史的編撰並與之對話？現任紐約大都會藝術博物館現當代藝術部首位Ming Chu Hsu與Daniel Xu策展人馬唯中，在本次演講，比較該館與她於2013至2022年間在香港M+視覺文化博物館擔任首位水墨策展人的工作經驗，反思亞洲現當代藝術在兩館中的定位與策略。

大都會藝術博物館建於1870年，相當早就開始收藏「當代藝術」，是二十世紀初美國首個收藏馬諦斯與塞尚作品的博物館。該館1967年正式設立當代藝術部（Department of Contemporary Arts），名稱幾經更迭後，近年採用現當代藝術部（Department of Modern and Contemporary Art）。該部門於1987年正式設立空間，目前正準備翻新，館方委託墨西哥建築師佛烈達．埃斯科貝多（Frida Escobedo）負責整建，將於2026年關閉，預計在2030年重新開幕。

現當代藝術部藏品約有一萬五千件，最重要的收藏為約1940年代入藏、奠定該部門基礎的兩批藏品：美國作家葛楚．史坦（Gertrude Stein）的捐贈，包含畢卡索為她畫的肖像；推動美國現當代藝術的重要藏家與攝影師史提葛利茲（Alfred Stieglitz）的捐贈，包括喬治亞．歐姬芙（Georgia O'Keeffe）的作品^[1]。作為位於紐約的博物館，重要館藏也包含大量戰後表現抽象表現主義與美國藝術家的作品。李奧納多．蘭黛（Leonard A. Lauder）捐贈至該館的90件立體派收藏，也大幅提升該館在二十世紀初現代藝術的收藏。整體而言，現當代藝術部的框架，以西方現當代藝術發展進程為主。

馬唯中任職於該館現當代藝術部，她的工作為建立該館收藏與展示二十、二十一世紀東亞與東南亞藝術的方法。在開始這樣的工作之前，首先要做的便為審視館藏中與亞洲相關的作品，如日裔美國藝術家、華裔藝術家的作品。該館收藏橫跨1945至今具亞洲背景的抽象藝術家的創作，部分亞洲藝術家的作品因媒材修復保存的需求被分別歸類到攝影部（Photographs）和草圖和版畫部（Drawings and Prints），也收藏少部分與紐約相關的亞洲觀念藝術家作品，現當代水墨作品則大部分被歸類在以收藏1900年以前亞洲藝術為主的亞洲藝術部。為了在非常以西方藝術為主導的框架中，凸顯亞洲藝術家的參與美國藝術的角色，便在常設展1900-1950年代的樓層中，將國吉康雄（Yasuo Kuniyoshi）、碓冰文平（Bumpei Usui）等日裔美國藝術家1920年代的作品與北美及西歐藝術家的作品並列。

馬唯中在任職大都會藝術博物館的兩年半中，思索如何在以西方典範（canon）為主導的制式化藝術史框架中，進行補強或打斷，例如該館近期才收藏首件白南準作品，為他的晚期作品〈中國記憶〉（Chinese Memory, 2005）。他被視為錄像藝術先驅，自年輕時就癡迷中華文化，這件作品可見中文、日文、韓文書寫的中國哲學書籍，包含一個立軸與中國宣傳畫，反映他對中國的想像。這樣的作品可同時回應該館的現當代藝術與亞洲藝術框架。現當代藝術部透過負責不同區域的策展人，重探不同地域對現代與當下的思索與回應，並透過收藏豐富現當代藝術的故事。

亞洲藝術部曾在2013年舉辦「水墨藝術：當代中國裡的過去作為現在」（Ink Art: Past as Present in Contemporary China），思索如何從古典的東方藝術走向當代，在這個展覽中在該館最大的佛教藝術空間中，可見徐冰、楊詰蒼、邱志傑的作品。這樣的展示有著它的力量與侷限，例如當代藝術在傳統空間中展示遭逢的挑戰，但仍能在論述上達到它的目的，因為水墨的創作總是與傳統書畫表現、概念、哲學有關；2022年臺灣藝術家林明弘受館方委託，為連結一樓與二樓展示中國瓷器展廳的電扶梯空間限地創作。他以為人熟知的手法將兩件景德鎮瓷器館藏的花樣放大到兩側牆面，挪用街頭海報張貼的方式佈局，又將為牆面設計的圖案製作成海報張貼於街頭，形成博物館裡裡外外的關係，以這種的方式打破大眾對該館的既定印象。

大都會藝術博物館作為百科全書式的博物館，多少隱含帝國主義的遺緒，透過不同委託創作，邀請不同文化的當代藝術家與它相對完整的故事交流與對話，為這座古典的博物館，其建築、館藏、所處紐約上東城景色，帶來不同思考。該館在2002年啟用屋頂花園，過往的作法為將已做好的雕塑放到屋頂花園展示，2006年轉為「屋頂花園委託創作」（The Roof Garden Commission），首屆受邀藝術家為蔡國強。

位於第五大道的主館外牆完成於1907年，當時的建築師在四對柱子之間留了四個壁龕，準備安放古典雕塑作品，然而後來遇上館方經濟拮据便空了百年以上。2019年在現任館長馬克斯．霍萊因（Max Hollein）的推動下，開始了「主館正面外牆委託創作」（The Facade Commission），委託藝術家為這四個壁龕創作。2024年馬唯中擔任該計畫策劃人，邀請南韓藝術家李昢合作，計畫名為「Long Tail Halo」。^[1]她為中間兩個壁龕創作的雕塑〈CTCS #1〉與〈CTCS#2〉較接近古典雕塑的形貌，有著建築的結構感與立體派的解構風格，也與薄邱尼（Umberto Boccioni）的雕塑、畢卡索的繪畫、希臘羅馬雕塑等館藏產生對話；兩側的壁龕的作品〈The Secret Sharer II〉與〈The Secret Sharer III〉則較為抽象，型態根據她鍾愛的珍島犬與其吐出來的東西組成，呈現人狗之間關係的探索，作為人類身旁的保護者、友伴、信使，想傳達的是警告、箴言還是安慰？

館方也在2019年開始「大廳委託創作」（The Great Hall Commission），首屆邀請加拿大第一民族藝術家肯特．芒克曼（Kent Monkman），他對該館一件重要美國繪畫藏品進行轉向詮釋，呈現北美原住民與歐洲人的衝突。2024年則邀請到董陽孜，將在該館為非常以西方為主導的空間，加入古代書法到現代書法的演進表現，與該空間中的埃及、希臘羅馬、歐洲文藝復興等文化，以及參觀的觀眾對話。

馬唯中任職香港M+視覺文化博物館，規劃開幕展之一「個體．源流．表現」時，思考如何在香港論述亞洲現當代藝術從1950年代至今日的發展，並以水墨與抽象藝術展開這個故事。在西方主導的藝術史詮釋中，常將抽象藝術視為美國藝術的成就，然而事實上其他文化對抽象創作並不陌生。此展希望觀察藝術家個體與其文化源流及創作表現之間的關係。在M+的發展策略上，認為水墨不該與當代藝術分開，因此整個展覽不斷有水墨介入，首個展廳其中一面牆便以書法的角度看抽象藝術，另一面牆則以山水的角度看抽象。

M+的館藏中，也可見約翰．凱吉（John Cage）以易經的方法作畫、詹姆士．李．拜爾斯（James Lee Byars）、野口勇對水墨的思考與詮釋，回應M+以亞洲視覺文化為框架，但不限於亞洲人，而是對亞洲更廣大的想像，以此拓展水墨的想像，以更多元的方法思考水墨在當代藝術中的不同表現。作為一座大型亞洲視覺文化博物館，漢字將是相當重要的元素，因此在2021年M+落成開幕時，也邀請了董陽孜為大堂空間創作五件作品，觀眾一進門就看到白紙黑字，但為一種新的書法表現。

在問答的環節中，與談人國立臺北藝術大學美術學院郭昭蘭副教授指出，本次演講令人思考百科全書式博物館，如何在十九世紀後重新自我檢討，修正對全球藝術的論述，並思考當代藝術在某種程度上為反歷史，與百科全書式博物館常見的線性歷史敘述相反，在這樣的狀態中，大都會藝術博物館在邀請當代藝術家時，如何思考兩者間的關係。馬唯中認為藝術家不管是反抗或解構，都不斷與過去的藝術對話。在大都會藝術博物館中，藝術家要反抗的事物都在館內，在這樣的對照中著它的趣味。大都會藝術博物館現當代藝術部即將閉門整修，目前已著手思考如何規劃重新開館後的常設展，特別是如何在該部門一萬五千多件館藏的前提下做規劃，這與M+在從無到有的狀態下規劃開館展相當不同。^[1]馬唯中指出不該將既有的歷史打散，先有典範，再把典範打散才是有趣的事，也才有在大都會藝術博物館這樣的博物館中的意義。

郭昭蘭進一步指出以國族作為敘述臺灣美術史的框架時，時常會遇見跨國溝通的困難。她在與林明弘合作「穿越人煙罕至的小徑」展覽的過程中，看見以當代藝術與策展方法，達成臺灣美術史的跨地域共享與普世性的可能性，進而形成漢斯．貝爾亭（Hans Belting）所謂的「全球觀眾」，即全球當代藝術營造出的新的觀眾與新的普世性。馬唯中則回應，M+在規劃水墨的展示時，便以廣義的亞洲為視角，將不同國籍的藝術家放在一起，以概念性、解構性、繪畫性、文字性、山水、書法等概念，將論述從國族的框架中拉出，形成普世性，並透過展示呈現藝術家的個人表現在普世性中的微妙差異（nuance）。

【場次Ⅳ】大都會藝術博物館與M+的現當代亞洲藝術策略分析