公眾參與、自主學習：開展美術館與觀眾的新關係

在未來，最好的博物館應該是能藉由並置不同的經驗，來推動不同的詮釋模式與層次的博物館。^[1]
──尼可拉斯・塞洛塔（Nicholas Serota）

臺北市立美術館209藝想空間（以下或簡稱「209室」），自2009年啟用至2017年10月美術館因館舍修繕暫停開放，八年期間作為教育推廣活動的基地，初期營運重點為支援館內教育活動的場地需求。^[1]自2010年起逐漸調整定位，嘗試主題策劃。主要服務16歲以上觀眾，發展可以隨時入場參與的展場式開放工作坊。^[2]以美術館參訪途中「停駐、轉換、沈澱、思考的處所」為核心，策劃自主學習活動。活動策劃包括以下幾項特點：

獻給大人的藝術參與基地：以成人觀眾為主要參加對象、面對並擁抱所有對藝術感興趣的觀眾，尊重他們的自主性與好奇心。有鑒於美術館一樓至三樓的參觀動線中，沒有可供觀眾停頓、整理思緒、轉換思路的處所。209室位於動線中段的地理位置，正適合提供觀眾稍作休憩、減低博物館疲勞的轉換活動。在此客觀條件下，同時考慮到北美館地下一樓，已有以兒童及親子觀眾為主要服務對象的兒童藝術教育中心，209室則積極為年齡層在高中以上、自主前來參訪美術館的成人觀眾策劃活動。

激發思考與想像：考量觀眾在美術館參訪過程中，多數時候處於感官資訊的接收，地處美術館二樓展場最後一個展間的209室，可視為二樓展覽結尾、或是三樓展覽的起始。藉由活動的策辦，提供轉換，促使參訪經驗從被動轉為主動，刺激觀者觀看、思考、觸發想像。

鼓勵表達：美術館的展覽呈現藝術家及策展人的思路，觀眾的思考在館內多半隱而不顯。相較於創作技巧的熟習，此區工作坊規劃更著重提供觀眾培養、梳理、表達想法的空間。透過活動內容、場域設計，展呈觀眾的思考，迎接觀者對作品的詮釋、實踐觀眾賦權，也鼓舞大眾相互理解、交流。

開放工作坊：成人觀眾之中，有很大比例是在臺灣聯考掛帥年代就學，少有機會上美術課、對藝術感到陌生的族群。基於對這項觀眾特性的觀察，209室成為一個張臂歡迎大人前來體驗、創作、小試身手的場域，活動對象設定為「不分齡」，以無須預約報名、不另外收費為原則，盡可能讓所有進入美術館的觀眾都能入場參與。提高公共性，在美術館內提供一個能與所有觀眾互動的平台。

佈展作為一種沉浸式的參與環境：為了使空間本身成為鼓勵參與的場域，讓創作引導在空間中自然呈顯，視覺、空間、燈光作為整體呈現的重要環節，在活動的核心內容確立之後、整個製作案的籌備初期就開始與合作設計師共同發展。盡力使空間設計緊密貼合活動內容，並有足夠的時間做模擬、測試、參與試作，及依容留人數、時間，進行空間設計和參與方式的修正。

自2010年至2017年，歸納209藝想空間以開放工作坊型態舉辦的活動，包含以下三種類型「回應藝術家個人創作」、「延伸思考展覽探討的議題」、「整合當期參訪經驗的主題策劃」。分別說明於下：

此類型活動多針對藝術家個展策劃，內容以深化觀眾對藝術家創作型態的瞭解，或是透過活動參與輔助觀眾更能體會創作精神、擴展想像為主。

2014年舉辦的「造字實驗室」創作活動，^[1]回應當時位於美術館一樓的「徐冰：回顧展」。活動設計的基點，來自徐冰作品及其創作精神的幾個重要元素：其一，徐冰的創作對於時代與社會的思考和回應；其二，藝術家對於文字、符號的豐沛想像與創造；其三，是徐冰以專案計畫的方式形成作品，展現長時間創作過程的凝煉與美感。

活動內容受到徐冰對於文字、符號、溝通的探討所啟發，特別是《天書》、《地書》兩件作品與當代社會的緊密關連，試圖延展藝術家的觀察與實踐，邀請觀眾一同探索文字與圖像溝通的可能性。經由閱覽、書寫、繪製的過程，促使參與者重新審視、思考當代常用詞彙所代表的意涵，並以之連結歸納、想像、創造的過程。透過活動現場營造的空間場景，期待引導大眾一同翻轉習以為常的、以文字作為溝通載具的慣性，並試圖呈顯人類溝通的開放性。

觀眾進入現場後，會先讀到工作坊策劃引言，瀏覽、閱讀活動現場提供的詞彙（由教育人員事先收集各種象形表意文字、圖像符號，規劃成現場牆面的視覺畫面），或是其他觀眾的創作。接著自現場提供近百個當代常用詞彙中，選擇一個想要為之設計新字的詞彙（也可以自行構思想要表達的詞彙）、拿取創作用紙。參與者透過寫、繪，造出新字或設計圖像符號，表達該詞彙的涵意，最後再撰寫設計說明。

完成後將作品展示於現場，亦可依個人意願帶離。創作者提供展示的作品由教育人員每日整理，盡可能讓現場呈現的作品可以持續激發其他觀眾創意。

此類活動著重邀請參與者思考當期展覽所拋出的議題，也試著透過活動參與提供觀眾沉澱、整理參訪過程的所見所思。以下以2012年「我的微型博物館計畫」創作工作坊為例說明。

「微型博物館」為2012年「台北雙年展」主要展覽架構之一，六個微型博物館，由多組策展人分別策劃，回應我們所生活的當下世界，歷史對其有無意識的影響，並且質問由少數人所建構的歷史怪獸與我們之間已存在現象的關係。

「歷史是巨大的怪獸，具有人們無法超脫的力量。」、「我們如何思考現代、想像未來，都受到過去的制約。」、「唯有重新想像我們的過去，才有可能思考不同視野的未來。」、「當歷史定位不再根深蒂固，我們就不再以為所謂的進步，是不斷背離傳統並與之決裂。」^[1]工作坊現場，引述雙年展策展人拋出的觀點，再進一步詢問參訪觀眾：參觀2012台北雙年展之前，如何看待歷史與我們現下生活的關係？日常之中，曾經體會過現代生活哪些令人難以抗拒的怪獸性力量？對於既有的歷史書寫，如果有機會用自己的方式提出質疑或是重新詮釋，將會挑選哪一個段落、會透過什麼角度重新觀看歷史？並請觀眾假設，如果他是策展人，會策劃一場什麼樣的展覽，傳達對這些問題的觀點？

「我的微型博物館計畫」^[2]是209藝想空間首次嘗試請觀眾花較長時間停留、閱讀、思考、書寫。邀請大眾從策展的角度思考，寫下自己的展覽計劃書，內容包括展覽概念、策展論述、決定展出作品。現場提供一份「策展指引」，引導觀眾以關鍵詞介紹展覽、以之為線索設定主題、撰寫展介、描繪展示設計圖、為展覽命名。藉此創作形式表達看法，書寫完成後自行展示於牆面。也期待藉由這樣的交流，一同經驗透過當代藝術反思歷史與生活，整理、沉澱觀展時腦中乍現的思緒。

在執行面上，此次工作坊為了接待雙年展大量的團體及個人觀眾，現場亦有指引，提示觀眾可「獨立策展」（自行書寫，適合散客），也不妨與同行夥伴一起創作（適合學校團體的參訪安排）。

此類活動規劃並不僅針對單一展覽作回應，而是將觀眾在美術館內多項展覽的參訪經歷視為連續的經驗，以之為基礎，構思一場能夠激盪思考、對話的活動。

2016年上半年，館內一、二樓共有「愛麗絲的兔子洞－真實生活」、「索多瑪之夜」、「Made in Taiwan：楊茂林個展」、「動物莊園：蘇旺伸四十年繪畫展」等展覽，或是援引文學裡的敘事想像、或是藝術家的創作歷程受到文學作品啟發，超過六個月的時間，在觀眾參訪經驗中，演繹一連串流動於當代藝術與文學作品間的聯想。

「靈光編輯室－閱讀及書寫創作活動」^[1]即是回應當時展覽背景所提出的整合性主題策劃。策劃初期以回應「愛麗絲的兔子洞－真實生活」展覽出發，實際進入策劃工作後，觀察到當期館內展覽與文學的關連，將209室製作成一個日常場景，回應展覽提出的觀點與議題。使觀眾得以進入其中，親身經驗：「展覽陳述了我們關於感覺、思想、行為、信仰在現代文明社會中所遭受的處境之思辨」、「日常生活是所有事物的總合，唯有通過它才可以確認人的存在狀態，從而變成我們生命中某種形式的收藏。」^[2]

「靈光編輯室」以閱讀文學作品這極其日常、卻又在當代生活中逐漸從日常淡出的行為出發，創造一個激發閱讀渴望的空間，瀏覽、觀賞、閱讀、書寫、觀看與相互觀看。活動意欲提供一種相遇的可能性，空間中展出以小說與神話為主的經典文學，以及啟發藝術家、策展者的文學作品，邀請觀眾與文學作品的主人翁相遇、與作者的思想相遇、也與此時此地的當代心靈相遇。觀眾在此閱讀現場書籍，並手寫紀錄書中能引起共鳴的句子，接著將這些引句織入牆上展示。

這些文句的匯集與展現，呈顯參與者所關注的事物，成為觀者思考的反射。引句的產生，是個體自我書寫；引句的展出則交織出當代台灣的大眾集體思考與關懷。以此回應當期展覽群所展現文學藝術相互激盪的豐沛想像，並以觀眾參與、書寫的內容，注入閱讀的當代性和即時性。

文學及藝術是每個時代創作者為他們的「當代」留下的痕跡，工作坊現場的文句則是當代觀眾在閱讀中思索的吉光片羽。於是，在這個活動場域，不同時間、空間的思路交會，也續往未來開展。

展場空間設計以時間為軸，展開三個「日常的閱讀風景」場景變化：個人家屋中的閱讀、讀書會的群聚閱讀、草地上的閱讀（以草地銜接室外山景，隱喻閱讀可在戶外、可無所不在），空間兩側的書櫃及文句展示牆不變，場中以家具擺設的改變達成場景轉換。彷若一個以時間為舞台的劇場，三個場景以每月一次的頻率更換，室內空間與戶外窗景漸次銜接，觀眾在場內閱讀的肢體動作也隨之愈趨放鬆，觀眾的閱讀姿態形成展場空間裡的另一種展演風景。

另一個案例是，2017年的「移動製作－不分齡體驗活動」^[1]。該項策劃對館內一、二樓同期展覽「社交場」及「空間行板：館藏作品選」作出呼應與延展，並以觀眾在此二展場對雕塑、人、空間的思索和整體參觀經驗為基礎而設計。

延續二樓「空間行板：館藏作品選」現當代雕塑作品的展出，「移動製作」邀請觀眾參與一場空間雕塑的集合創作，感受雕塑的空間性，也延伸思考「假如空間是一種容器，我們如何置身其中漫步、移動、相遇？移動時，視線如何在人與物與空間之中遊走？」^[2]活動請觀眾回顧方才在二樓看到的雕塑作品，提示「當代雕塑歷史中，觀看與被觀看的關係，自『雕塑走下台座』起，開展出更為平等而開放的互動，也啟發許多藝術家對觀者和作品關係的探索：如果觀者也是創作者、如果創作者就是作品、如果展出的作品會持續改變、如果在素樸環境使用低限材料創作、如果創作是觀念的顛覆⋯⋯」^[3]回應當代雕塑中的觀者參與，活動策劃使場內操作線繩的參與者也成為表演者和協作者，而坐在一旁的參與者成為觀賞者。雕塑走下台座、觀眾走上台座，在自主參與的同時也打開觀眾與當期展覽的對話。

觀眾在209藝想空間的參與，是對於物件與空間展開一段觀看、審視、思考、身體參與的歷程。空間、媒材、色彩、線條、人、光線，在現場交織互動。每位觀眾在這裡不僅是觀賞者，也是創造者，他們的目光被空間和物件帶領，身體也被引領移動、伸展、收攏。

209現場由相對的「空」，透過觀眾參與達致「滿」。^[4]雕塑觀念的演變與思辨，在此成為觀眾體驗的一部份，觀眾的在場和參與不僅突破了空間，讓時間變化也成為可見。

此次開放工作坊提供空的空間由觀眾創作發展，透過空間、文字、視覺設計引導觀眾在場內能夠自行完成創作成為重要的目標，同時，空間氛圍必須自由、開放、公共、激發「動身體」和「參與」的渴望。

工作坊開放首日，空間中已有數條拉緊的棉繩立體編織作為主架構，提示觀眾拉線可以觸及的空間區塊。觀眾進入209後，被空間中穿梭的立體線繩吸引、進入、在場內遊走觀看、與立體線條的不同角度相遇。接著自由選擇要拿取的棉繩，加入現場既有的立體編織，編、織、穿梭、串連⋯⋯等等，參與的可能性由觀眾自行決定並實踐。結束後再前往展間出口旁的書寫檯，寫下這段參與的聯想、選擇對應的分類展示。

活動期間，安排數個「木頭日」，暫停供應線繩、改提供有機造型的木塊作為空間雕塑的材料。觀眾於地面堆疊排列木塊，由地面往上疊塑，以硬質媒材雕塑空間，也與既有的柔軟線繩展開造型對話。

隨著美術館學習活動形態的轉變，209藝想空間（2009-2017）從多功能場地支援，轉為主題式策劃的歷程，以及2018年起將三樓迴廊設定為「藝想迴廊」的空間調度，可以看見美術館重視為觀眾提供一個場域，能夠沉澱、能夠探索、發展寬廣的想像和思考。美術館在當代社會的角色，除了保持研究能量，亦需要開創與公眾共享藝術的關係。^[1]擴充藝術參與的樣態、對親子觀眾的友善都是與大眾建立緊密互動的方式。國內美術館對於親子觀眾的重視，從硬體建置、展覽及活動服務頻次已顯見提升。作為公眾參與藝術的所在，豐富觀眾的參訪經驗、打造成人觀眾得以轉換觀展視角與深化思考的基地，重要性亦不可言喻。回顧209藝想空間的活動策辦，幾項有待進步與發展之處，在此提出，作為未來策劃的參考：

現場工作人員的培育與角色定位：對於自主性較高、且多數樂於自主參訪的成人觀眾，現場工作人員需要調整與觀眾互動基調，接待觀眾的同時，妥善拿捏與觀眾之間的談話距離，熱忱有禮又不過度介入觀眾參與，避免加入自己太強的主觀主導意見。這樣的互動對於原本不與觀眾交談的展場人員，或是習慣教學引導的教學與導覽人員而言，都需要持續地練習與調整。

觀眾參與的再形成：對於積極投入、慷慨分享個人創作的觀眾，提出的書寫與思考，應可在活動結束後集結、編整呈現。作為對參與者的回饋，也深化美術館與大眾的對話。惟目前為止，以現有工作人力的限制，僅能大致編整收存，尚未能做到觀眾參與成果的再現。

公立美術館為成人設計的開放工作坊，以公共、開放、自由的自主學習為基調，歡迎觀眾加入詮釋，透過多元樣態鼓舞藝術參與和思考。在未來，仍有待開創更具實驗性的做法，持續耕耘。